Entrevista: Reflexiones compartidas 

 León X (8)[fragmento], 2010, 70X50 cm

León X (8)[fragmento], 2010, 70X50 cm

 
 

Esta entrevista nace a raíz de una exposición colectiva en Málaga, celebrada durante los días 6 al 8 de Mayo de 2016, en el Hotel Room Mate Larios (C/Marqués de Larios) donde participó con algunos de sus cuadros a través de la Galería “Art Cuestion” de Ourense...

Nacido en Los Navalmorales (Toledo) en 1951 y residente en Madrid desde su época de estudiante, José Félix del Puerto Almazán es Ingeniero Superior de Telecomunicaciones y ha desarrollado su actividad laboralen Telefónica hasta su jubilación, en la que ha ganado tiempo para dedicarse a una de sus pasiones, la pintura, aunque también le ha tentado la escritura con resultados que le definen como un creador libre y rupturista, poco amigo del academicismo tradicional.


 Estas reflexiones compartidas en formato entrevista, tratan de explicar algunos de los interrogantes, afirmaciones, raíces y contextos con los que se mueve a la hora de pintar.

 

-Siempre te interesó la pintura, pero has llegado a decir que es, en el año 93, cuando empezó a manifestarse, con mayor intensidad, tu afición no solo en el estudio y conocimiento, sino en la decisión de practicarla, ¿Cómo fueron estos principios?
Después de visitar bastantes exposiciones y conocer más a fondo los pintores modernos, me di cuenta de que la pintura no es sólo una cuestión de habilidades o destrezas que se tienen o se aprenden. La pintura es algo más profundo: es un sentimiento, una fuerza, un reto que te impulsa a enfrentarte a un lienzo en blanco y plasmar, con mayor o menor acierto, tus ideas, tu actitud, tu personalidad.  

- ¿De la “fealdad” puede también surgir la belleza buscada?
La belleza mediante formas y colores puede encontrarse incluso en su contrario: en la fealdad. El canon y el anti-canon son dos caras de la misma moneda. El tiempo de la figuración ha pasado, dejando obras maravillosas. ¿Quién podría superarlas?. La figuración dio paso a la deformación, al expresionismo y a la abstracción que es la libertad total en la pintura. Ingenuamente, quizá, me dije que yo era capaz de expresarme en esos nuevos lenguajes y lo intenté y, yendo de derrota en derrota, fui caminando despacio hacia la luz. Hoy me alegro de aquella decisión, aunque el camino ha sido difícil, muy difícil.


-Nunca has querido someterte a escuelas y enseñanzas académicas y te declaras autodidacta, “autodidacta puro por convicción” ¿Qué significa y ha significado en tu trabajo como pintor esta actitud?.

 Ciertamente soy autodidacta por muchas razones, pero la principal es porque las escuelas crean límites, fronteras, imponen reglas, enmarcan el conocimiento vital para la creatividad y alguien que busca crear arte debe hacerlo con libertad total, sin sometimiento alguno: su única frontera deben trazarla “sus”  ideas, su concepción de lo que busca.

-Pero eres consciente de que no puedes crear “ ex novo”.
Soy consciente de que existen unos principios básicos, unos cimientos que necesariamente se deben conocer y respetar. Esos principios he intentado aprenderlos de los grandes maestros, viendo, comprendiendo sus obras. No puedo asegurar que los haya aprendido. Tengo que reconocer que mi falta de aptitud para el dibujoha sido un freno para progresar pero ¡qué le vamos a hacer! . Uno no puede perder el tiempo en aprender a dibujar bien y dejar de lado lo principal que es la pintura con mayúsculas. Porque pintar, a veces, es una necesidad y un sufrimiento no poder hacerlo. En resumen, mi actitud se ha adecuado a mis limitaciones y con ellas debo convivir.

 Le Dejeuner sur l ´Herbe, Manet revue (2007) 30X40 cm

Le Dejeuner sur l ´Herbe, Manet revue (2007) 30X40 cm

-¿Desprecias el aprendizaje de las técnicas por lo que pueden dañar tu libertad creativa?
Fundamentalmente sí. Como ya he dicho, el aprendizaje es un lastre que puede llegar a dañar la libertad de creación. No hay que despreciarlo, pero sí cuidar que no influya para nada en la creatividad. El aprendizaje es esencial en la figuración prácticamente hasta finales del siglo XIX, después con la llegada de los movimientos expresionista y abstracto ha dejado, en mi opinión, de ser primordial para el ejercicio de la pintura. Mi desconocimiento sobre las técnicas pictóricas al uso me ha limitado en algún sentido, pero ha sido positivo para abrirme hacia vías nuevas, hacia caminos que no hubiera transitado sin esa inquietud por suplir esas carencias, buscando soluciones heterodoxas y transgresoras.

 

-¿Cómo solucionas la soledad de esta búsqueda?
Crear es un acto individual y solitario y así lo acepto sin reproche alguno. Nadie puede acompañarte en esa jornada. La creación es, además de solitaria, una búsqueda continua, porque, cuando comienzas un cuadro, no sabes nada de él ni cuál será el resultado, una de las cosas más difíciles es saber cuándo la obra está terminada, por otra parte.


-Nada ni nadie te puede ayudar
 Es el propio cuadro el que te acompaña en ese camino de soledad intelectual y a veces te dice cómo seguir: te muestra el camino. La pintura, como cualquier otra obra de arte, es un enigma dentro de un misterio y, en la búsqueda por desentrañarla, sufres, porque estás solo frente al misterio de la creación. Pero es una soledad acogedora cálida y querida.
Otra cosa es la soledad que se transmite en el lienzo. Edward Hopper es el pintor de la soledad. Un cuadro de E. Hopper es como un planeta desierto donde los personajes permanecen quietos, sentados, agachados, olvidados por los demás, impotentes, iluminados de una amargura, de una incomunicación que duele aún sin conocerlos. ¿Son los cuadros de Edward Hopper un reflejo de su propia soledad?.

 Tormenta de color: Rojo, 2007, 70X50 cm

Tormenta de color: Rojo, 2007, 70X50 cm

-Conociendo tu obra, hay que hablar de una larga trayectoria que podrías clasificar en etapas.
Las etapas que se van produciendo en mi camino tienen un solo sentido: buscar un lenguaje, una forma de expresión propia en la que se me reconozca. Visto ahora con una cierta perspectiva, tengo que reconocer que aún no lo he conseguido, aunque si he llegado a ciertas conclusiones respecto a cuáles son mis preferencias y cuáles son los caminos que tengo que seguir para continuar hacia ese objetivo.
Mi pintura debe reflejar el mundo y la sociedad que me rodea, caótica, desordenada, no sé si me atrevería a decir que en descomposición, ¿ quizá deconstrucción?. No queda lugar para la figuración, para la pintura bonita, relamida, decorativa. Además, ¿ Qué haríamos los pintores repitiendo, intentando repetirlenguajes que ya están superados y que, por otra parte son insuperables, si queremos avanzar?. “La repetición es la muerte del arte”.

 Tempus Edax Rerum, 2010, 70X50 cm

Tempus Edax Rerum, 2010, 70X50 cm

-¿ Nos podrías enumerar estos pasos, estos saltos o cambios, de sus causas y resultados?
Mi primera etapa fue, por supuesto, figurativa, pero muy limitada en temas, en formatos y en materiales. No dice apenas nada. El óleo y el lienzo son los materiales utilizados y sin un dibujo aceptable. Pero el óleo tenía un inconveniente para mí: tardaba mucho en secar. Demasiado para mi impaciencia.


Después, la etapa de las acuarelas que no parecen acuarelas, porque, por falta de técnica, ya que no había aprendido a pintar acuarelas, una técnica muy difícil, las pintaba como se pintan los óleos, consiguiendo la inmediatez, pero esa mezcla no me terminaba de satisfacer. De todas formas creo que conseguí algunas notables por su rareza y belleza derivada de esa mezcla transgresora de técnica y material. Aparece ya el expresionismo claramente. En esta etapa el soporte cambia a papel con un formato mucho mayor.  


Por no extenderme, diré que la etapa siguiente fue la del acrílico sobre papel. La rapidez de secado del acrílico sí estaba de acuerdo con mis deseos y los temas empezaron a girar hacia el expresionismo abstracto y el nórdico (Pollock, Kooning, Nolde, etc). Empezaba a sentirme satisfecho con algunas cosas, pero comprendiendo que el lenguaje todavía era imperfecto, incompleto.


Por último, y hasta ahora, ha surgido la madera como soporte sólido de múltiples posibilidades de actuación sobre ella y capaz de proporcionarme grandes formatos que dieran cabida a la abstracción como lenguaje deseado por mí. La madera y el acrílico sobrecollages de papel pegados, sobre la madera, satisfacen, por ahora, los medios para la búsqueda de una pintura abstracta y reflejo de ese mundo del que antes hablaba. Mundos desordenados y caóticos presa del aumento de la entropía en busca de un nuevo lenguaje que denomino “ENTROPISMO”.

 Entropismo (3), 2011, 100X122 cm

Entropismo (3), 2011, 100X122 cm

-¿Podría ser el ENTROPISMO tu sello propio o, al menos tu sello actual?¿Qué  es el Entropismo?.
Me gustaría que lo fuera y no dejo de intentarlo con mi pintura. Creo que es la única forma de reflejar el mundo y la sociedad que nos rodea: cambiante, donde la desorganización y el desorden crece de forma continua y fractura tanto las relaciones físicas como las morales.


El “entropismo” tiene que ser un movimiento transversal que afecte a todas las artes. Hay que trasladar a la gente el hecho de que el desorden crece y es un proceso irreversible que terminará con la individualidad, con la identidad propia y diversa. Es un mensaje que solo puede transmitirse con un lenguaje abstracto,  con la eliminación de lo objetivo, de lo concreto, para que la gente reaccione ante la obra: vea, piense y comprenda, cada uno a su manera que estamos ante un nuevo paradigma, ante un nuevo mundo que puede destruirnos como personas individuales.

 

-Otra curiosidad: ¿Qué significa para ti la elección de la abstracción sobre la representación concreta, sobre el realismo figurativo?
Yo entiendo la pintura como un camino de una sola dirección. Siempre hay que caminar hacia adelante. Mirar hacia atrás no aporta nada, porque sería repetir lo que ya han hecho otros de forma insuperable . Como ya he dicho “la repetición es la muerte del arte”. El último movimiento que yo conozco en la pintura es la abstracción,  todo lo demás es otra cosa, no es pintura, en mi opinión, claro. Avanzar en ese camino es lo único que nos queda salvo que pensemos que estamos ante “el fin de la pintura” y entonces es mejor soltar los pinceles y dedicarnos a otra cosa. Es un motivo de reflexión que muchos pintores deberían hacer. Yo no quiero decir que seguir pintando cuadros realistas figurativos sea un error. Solo quiero decir que, si hablamos de pintura con mayúsculas, esta actitud es regresiva y no nos llevará a ningún avance.

 Entropismo (1), 2012, 100X122

Entropismo (1), 2012, 100X122

-¿Qué se pierde y qué se gana?.
Con la representación concreta se pierde la libertad creativa y el espectador no deja de ser un agente pasivo ante la obra, solo le queda “ver y admirar”. Con la abstracción se produce un salto cualitativo, la libertad creativa es total y se gana al espectador activo y creativo. Ante la obra puede “ver y pensar”.


Una obra abstracta, incluso muchas obras expresionistas, son obras creadas voluntariamente incompletas, imperfectas a sabiendas que cada espectador, que cada mirada que se pose sobre ellas va a dar lugar a una nueva obra de arte diferente, perfecta, definitiva. Esa es la meta, esa es mi meta: crear obras que cada uno vea según su forma de comprender y de entender el arte de la pintura. “Ver y pensar” es el nuevo paradigma.


La entrevista ha sido realizada por Francisco del Puerto Almazán, Licenciado en Literatura Hispánica por la U. Complutense y Catedrático de Literatura. También es Licenciado en Derecho por la misma Universidad y ha sido Profesor de Historia del Derecho en la UNED. Ha publicado varios libros de poemas y novelas. Ha colaborado en prensa como columnista y crítico literario.

Otras pinturas de José Félix del Puerto Almazán, pueden verse en las galerías virtuales:

Artenet.es :  http://www.artenet.es/autor/874-jose-felix-del-puerto-almazan
SaatchiArt :  http://www.saatchiart.com/jfelixdelpuerto
 
18-4-2016